El arte contemporáneo en Noruega cuenta con un importante número de nombres que merece la pena conocer. Es difícil hacer una selección, pero aquí presentamos algunos nombres que pueden servir para ir descubriendo a los artistas destacados del país, así como para empezar a indagar entre la variedad de propuestas que encontramos desde principios del Siglo XX hasta la actualidad.
Hannah Ryggen
Es una de las artistas más fascinantes de Noruega y una de las más sobresalientes de Escandinavia. Aunque nació en Malmö en 1894, a mediados de los años 20 se traslada a vivir a una granja en Noruega junto a su marido, el también artista Hans Ryggen. No será hasta después de su muerte en 1970 cuando su obra, compuesta por más de cien tapices, se haga popular. Hannah Ryggen realiza los tapices según la tradición textil noruega de los Siglos XVII y XVIII y usa lana de sus propias ovejas que tiñe con hojas de abedul, musgo, romero y bayas locales mezcladas con orina fermentada. En estos tapices combina elementos abstractos y figurativos, pero son también la representación de su fuerte compromiso político. En ellos se representan algunos de los hitos sociopolíticos acontecidos desde 1930 hasta el momento de su muerte: el ascenso del fascismo, la ocupación de Noruega por parte de los nazis o la guerra de Vietnam. Fue la primera artista mujer que representó a Noruega en la Bienal de Venecia en 1964 y su tapiz Etiopía fue expuesto junto al Guernica en la Expo de París de 1937.
1: Hannah Ryggen / 2: 6 October 1942. 1943 / 3: Freiheit (Freedom). 1941 / 4: Jul Kvale. 1956. / 5: We And Our Animals. 1934
Anna-Eva Bergmann
La abstracción pictórica en Noruega tiene un nombre propio, el de Anna-Eva Bergmann. Aunque nació en 1909 en Estocolmo, cuando era muy joven se mudó a Noruega con su madre. En Oslo estudió Bellas Artes y, tras acabar sus estudios, se marchó a Francia en donde formó parte de la escuela de París, que reunía a distintos artistas emigrados en la década de los años 20 –entre los que se encontraban Chagall, Brancusi o Modigliani– y donde también conocerá a su marido, el artista alemán Hans Hartung. Aunque en una etapa inicial su obra está fuertemente influenciada por los artistas de las primeras vanguardias, en especial por Miró o Kandinsky, su obra gana un interés especial a partir de la década de los 50 cuando abraza definitivamente el expresionismo abstracto. Las pinturas de dicho momento se caracterizan por las grandes formas de colores planos, evocando al paisaje noruego que se convertirá entonces en la referencia esencial de su obra. Murió en Francia en 1987.
1: Anna-Eva Bergmann / 2: Horizon d’Argent. 1981. Galerie Jérôme Poggi, Paris / 3: Cap bleu. 1977 / 4: G 34-1976 Earth and Planet. 1976
Siri Aurdal
El contacto de Siri Aurdal con el arte le viene de familia. Esta pintora, diseñadora y escultora es hija de la artista textil Synnøve Anker Aurdal y del pintor Leon Aurdal y nació en 1937 en Oslo. Se formó en la Escuela Nacional de Arte en la capital noruega. La escultura va a ser el lenguaje predominante en su obra y también en el que más va a destacar. Sus trabajos se caracterizan por sus grandes dimensiones, por sus formas orgánicas y por el uso de materiales industriales. Además, en sus obras el público se convierte en un elemento más y desempeña un papel activo al interactuar con ellas. Los espacios que genera la artista se conciben para la contemplación y, a su vez, forman parte de su compromiso social en el espacio público. Su obra monumental Onda volante formó parte del pabellón nórdico en la Bienal de Venecia de 2017. Actualmente vive y trabaja en Oslo.
1: Conversation. Galleri Riis, Oslo. 2019 / 2: Bølgelengder rekomponert. Vigelandsparken, Oslo. 2016 / 3: Onda volante. 2017. Pabellón Nórdico de la Bienal de Venecia. Foto: Mats Stjernstedt / 4: Bølgelengder – rekomponer. Vigelandsparken, Oslo. 2016 / 5: Continuum. Malmö Konsthall. 2018. Foto: Helene Toresdotter
Per Kleiva
Es uno de los más importantes representantes del pop art en Noruega. Nació en Torsken en 1933 y estudió Bellas Artes en Oslo, Copenhague, Florencia y Estocolmo. Frente a la tendencia más hedonista y despreocupada del pop art norteamericano de Warhol o Lichtenstein, las obras de Per Kleiva reflejan su compromiso político y contienen potentes mensajes en contra de algunos de los conflictos en el mundo en las décadas de los 60 y 70. Así vemos constantes alusiones en sus cuadros a la guerra de Vietnam, el avance nuclear o la Comunidad Económica Europea. Además, cofundó el grupo de artistas GRAS, que trabajó con grabados y serigrafía produciendo obra de temas sociopolíticos. Kleiva usa la serigrafía como técnica principal y su obra se encuentra en los museos e instituciones más importantes de Noruega como la Galería Nacional o el Museo de Arte Contemporáneo de Noruega. Falleció en 2017 a los 84 años.
1: Just One Of These Days / 2: Amerikanske sommerfuglar (Mariposas americanas). 1971 / 3: Dei vaksne si verd. 1975 / 4: At hendene er våre eigne. 1977
Marianne Heske
Marianne Heske es una de las artista conceptuales más importantes de Noruega, pionera del videoarte en el país. Nace en 1946 en Ålesund y, tras estudiar arte y diseño en Bergen, Francia e Inglaterra, empieza su trayectoria a partir de la década de los 70. Su práctica artística abarca el land art, el arte sonoro, la performance, las instalaciones y la escultura, pero es sobre todo conocida por sus piezas de videoarte, especialmente por las denominadas «videopinturas». Consisten en imágenes fijas de paisajes tomadas en vídeo y manipuladas digitalmente en impresiones de gran tamaño. Su objetivo es producir un encuentro entre la naturaleza, tan presente en su vida, con las nuevas tecnologías para conseguir un entendimiento entre ambas. Ha representado a Noruega en la Bienal de Venecia del año 1986 y su obra está presente en numerosas colecciones entre las que destacan las del Centro Georges Pompidou en París, la Galería Nacional de Noruega o el Museo de Arte Moderno de Malmö. Actualmente vive y trabaja en Oslo.
1: Marianne Heske / 2: Proyecto Gjerdeløa / 3: Mountain Of The Mind 4 / 4: A Doll’s House
Gruppe 66
Fue un colectivo de artistas visuales localizado en Bergen y formado por Lars Grundt, Per Kleiva, Oddvar Torsheim, Ingegerd Bolstad, Ingvald Holmefjord, Elisabeth Rahlff, Ragnhild Gram-Knutsen, Egil Røed y Olav Herman Hansen. Toman el nombre de una exposición que se celebró en la Asociación de Artistas de Bergen en 1966 y que reunió a artistas interesados en las nuevas tendencias del arte que empezaban a emerger en ese momento, especialmente por el arte de acción. Su principal influencia fue el situacionismo y el movimiento Fluxus, y son los happening, donde mezclan poesía, música experimental, jazz, cine, teatro…, su seña de identidad. Fueron verdaderos pioneros en la introducción de estas nuevas formas artísticas en Noruega y muchos de los miembros de Gruppe 66 se convirtieron en artistas muy reputados tanto dentro como fuera del país. El grupo se disolvió a principios de la década de los 70, y algunos de los artistas involucrados formaron un nuevo colectivo, el Gruppe Lyn, que más tarde fundó la importante Galeri 1 en Bergen, hoy conocida como Hordaland Kunstsenter, referente en la actualidad de la creación contemporánea en la ciudad.
Per Barclay
Uno de los artistas más reconocidos fuera de Noruega. Tras estudiar Historia del Arte en Oslo decide completar su formación artística en diferentes ciudades de Italia, donde entrará en contacto con la escena artística del país y, especialmente, con el movimiento arte povera (arte pobre), que provocará un gran impacto en su propio trabajo. Aunque la fotografía también tendrá un papel importante en su producción, sus obras más destacadas son grandes instalaciones que ocupan gran parte de los espacios que las contienen. Y es que el espacio y la manera de ocuparlo se encuentran entre sus preocupaciones capitales. Muchas de sus obras utilizarán distintos líquidos como material para ocupar las superficies, pero también utilizará otros como el cristal, el acero o la madera. Con ellas reflexiona sobre la condición humana y, conectando con la obra de Munch que estará también muy presente en su propia obra, pone de relieve emociones como el miedo, la muerte o el amor, interpelando al espectador como parte de esta tensión entre obra y concepto. Per Barclay ha expuesto en importantes instituciones como la Fondazione Merz de Turín, el Museo Reina Sofía de Madrid o en la Bienal de Venecia en 1990. Actualmente vive y trabaja en París.
1: Per Barclay / 2: Sin título. Escultura. 2001 / 3: Fluído. Instalación. CAC Málaga. 2012 / 4: Sin título. Fotografía. 1991
Børre Saethre
Nació en Oslo en 1967 y estudió Bellas Artes en la ciudad. Su práctica artística incluye la arquitectura, el diseño de interiores y la escultura, pero ha conseguido el reconocimiento internacional gracias a sus instalaciones. En ellas, Børre Saethre se vale de una yuxtaposición de estructuras minimalistas y elementos sorprendentes y descontextualizados –es muy común en su obra el uso de recreaciones de animales a tamaño natural– que generan escenarios oníricos, cercanos a la ciencia ficción en los que introduce al espectador en un mundo irreal, acentuado por el uso de la iluminación y de otros recursos arquitectónicos. Sus obras tienen una gran carga escultórica y muchas veces interpela al público ocultando parcialmente parte de la obra. Así, la gente se convierte en cómplice del artista. Con una amplia trayectoria internacional, ha expuesto en el MoMA PS1 en Nueva York, en la Galerie Loevenbruck de París o en el Astrup Fearnley Museum de Oslo. Vive y trabaja entre Nueva York, Berlín y Oslo.
1: Børre Saethre / 2: My Private Sky. 2001 / 3: The Tarkin Doctrine, 2012 / 4: Sin título. 2007
Elmgreen & Dragset
El uso de múltiples lenguajes es uno de los puntos que caracterizan la obra de Elmgreen & Dragset, dúo formado por el danés Michael Elmgreen y el noruego Ingar Dragset, que inicia su andadura en 1995, tras terminar ambos sus estudios de literatura y teatro. En un principio, su producción artística estuvo ligada a la performance, pero han sido sus instalaciones lo que ha situado al dúo como una referencia ineludible de la escena artística internacional. Elmgreen y Dragset utilizan el recurso de la recontextualización, es decir toman un objeto y lo sitúan en un lugar inesperado provocando una reacción en el espectador. Generalmente sus obras ocupan grandes espacios públicos donde sitúan objetos cotidianos –como una piscina, un crucifijo o un urinario– que cambian su significado al encontrarse en un lugar que no les corresponde. Con estas obras reflexionan sobre el mundo del arte contemporáneo y también sobre uno de sus temas centrales de su trabajo: la homosexualidad desde el activismo, pero también la crítica comprometida. Entre la larga lista de lugares en los que han expuesto se encuentran el Pabellón Nórdico en la Bienal de Venecia de 2009, el MUSAC de León, The Serpentine Gallery y en la Tate Modern en Londres o en el Kunsthalle de Zürich, por citar solo algunos. Trabajan y viven en Berlín.
1: Elmgreen & Dragset / 2: Tomorrow. 2013 / 3: Broken Square. 2018 / 4: Eternity. 2014 / 5: City In The Sky. 2019
Bjarne Melgaard
Si por algo se caracteriza la obra de Bjarne Melgaard es por haber conseguido crear un lenguaje y una estética propios y reconocibles, que lo han llevado a convertirse en uno de los artistas noruegos más importantes de la actualidad. De padres noruegos, Melgaard nació en Sydney en 1967, aunque creció en Oslo. En esta ciudad estudió Bellas Artes, completando sus estudios en Ámsterdam y Maastricht. En su práctica artística destacan especialmente sus pinturas, aunque también ha trabajado en otros campos como la escultura y la instalación. Sus obras pictóricas tienen una fuerte carga expresiva tanto a un nivel formal –muestran una gran relación con el arte urbano y el grafiti por el uso de colores llamativos y un trazo salvaje–, como conceptual. En su pintura reflexiona acerca de la identidad, el cuerpo o la soledad, y se conecta así con la obra de Munch, pero sin renunciar al lenguaje transgresor y subversivo que lo ha catapultado a la fama. Su obra se encuentra en colecciones como las del MoMA en Nueva York, el MOCA en Los Angeles, el Moderna Museet en Estocolmo o el Stedelijk Museum en Ámsterdam y ha expuesto en la Bienal de Venecia en 2011, en el Whitney Museum de Nueva York, en la Faurschou Foundation en Pekín o en el Astrup Fearnley Museum en Oslo.
1: Pabellón Nórdico. Bienal de Venecia. 2011 / 2: Frieze. Nueva York. 2013 / 3: Museo Astrup Fearnley. 2013 / 4: Galería Thaddaeus Ropac. 2013
Alt Går Bra
Colectivo de artistas visuales de diversas nacionalidades que inicia su andadura en 2015 y que tiene su sede entre Bergen, París y Londres. El trabajo de Alt Går Bra profundiza en las intersecciones entre el arte y la política y lleva a cabo su reflexión a través de diferentes acciones que incluyen performance, exposiciones, proyección de películas, presentaciones y charlas. También es especialmente interesante su producción escrita e impresa, de hecho el colectivo cuenta en su haber con varios libros autoeditados. Alt Går Bra tiene como objetivo invitar al público a pensar, cuestionar y debatir, y para ello se aprovecha del punto de encuentro entre público y artistas que suponen las galerías y museos para estimular el debate. Así, el grupo plantea cuestiones que tienen que ver con el rol del artista en la sociedad, el papel del público, el arte y la economía neoliberal o el arte contemporáneo y la globalización. Se unen de este modo en su propuesta la política y el arte. Su trabajo ha sido presentado en diversos lugares que incluyen instituciones puramente artísticas, como los museos Victoria and Albert en Londres, Palais de Tokyo en París o el KODE en Bergen, así como espacios autogestionados, universidades o bibliotecas.
Alt Går Bra conceptualiza, diseña, imprime y edita sus propios libros. En este vídeo se muestra un mimeógrafo Gestetner 366 de dos tambores que imprime con serigrafía y plantillas.
Bull.Miletic
Dúo formado por la artista noruega Synne T. Bull y el estadounidense Dragan Miletic que empieza a funcionar en el año 2000 después de que ambos artistas se conocieran mientras cursaban sus estudios de arte en San Francisco. En su trabajo se produce un encuentro entre el arte y las nuevas tecnologías, especialmente el vídeo, en torno al cual girarán sus instalaciones. En sus obras reflexionan acerca de cómo estos nuevos medios influyen en nuestras vidas y en nuestros entornos, y utilizan todo tipo de tecnologías ligadas a la imagen —en sus trabajos más recientes utilizaron drones— pero también investigan y generan ellos mismos nuevas técnicas de grabación y mecanismos de proyección. El trabajo de Bull.Miletic se ha expuesto en la Bienal de Venecia, en el Pasadena Museum Of California Art, en el Museo de Arte Contemporáneo de Belgrado, el Trondheim Kunstmuseum o en el Museo de Arquitectura de Alemania, entre otros. Actualmente viven y trabajan en Oslo.
1: Ferriscope. 1893-2018. Videoinstalación cinética. Foto: Hanne Gjervig / 2: Missing Perspective. 2014. Videoinstalación cinética. Foto: István Virág / 3: The Third Way. 2007-2013. Videoinstalación de seis canales. Foto: Bull.Miletic / 4: Heaven Can Wait. 2001-actualidad. Videoinstalación cinética. Foto: Line Bøhmer Løkken
Heaven Can Wait. Videoinstalación con 24 proyecciones rotativas. KinoKino, Sandnes, Noruega. 2013
Torbjørn Rødland
Torbjørn Rødland es un reputado fotógrafo y videoartista nacido en 1970 en Stavanger. Estudió fotografía en el Academia Nacional de Arte y Diseño de Bergen y estudios culturales en la Universidad de Rogaland en Stavanger. Sus fotografías de retratos, paisajes o naturalezas muertas buscan despertar en el espectador una gran variedad de estados emocionales. Su trabajo cuenta con un fuerte componente pictórico, por sus cuidadas escenografías y sus complejas composiciones, y un carácter narrativo cargado de lirismo. En sus imágenes encontramos elementos recurrentes como frutas, comida o primeros planos de partes del cuerpo cubiertas o sobre las que gotean diferentes sustancias líquidas como agua, miel o pintura. Se han publicado numerosos libros con su trabajo y ha expuesto en la Fundación Prada de Milán, la Serpentine Sackler Gallery de Londres, el Astrup Fearnley Museum de Oslo o en el P.S.1 Contemporary Art Center de Nueva York. En la actualidad vive y trabaja en Los Ángeles.
1: Voodoo Shoe. 2017 / 2: The Curator. 2016 / 3: Poolside. 2017 / 4: Headphones. 2016-2018 / 5: A Single Drop. 2018
Tori Wrånes
Artista polifacética, Tori Wrånes es uno de los nombres emergentes más interesantes de la escena artística actual. Nació en 1978 en Kristiansand y estudió Bellas Artes y Música en Oslo. Su práctica incluye instalaciones, vídeos, esculturas y performance. En esta última disciplina es donde la artista vuelca su interés por la coreografía, el sonido y el diseño de vestuario. En sus piezas construye nuevas realidades absurdas habitadas por seres mágicos que tocan instrumentos, cantan con extrañas armonías, vuelan por el aire y danzan. La mitología nórdica está muy presente en estos trabajos; sin ir más lejos, ella ha creado el «lenguaje troll», una nueva forma de comunicarse improvisada y no verbal basada en el ritmo y la expresión. Aunque la fantasía será el eje en torno al que se construyan sus obras, estas no van a estar exentas de compromiso político. Especialmente presentes en su obra están el activismo LGBTQ y anarquista. La artista ha realizado performances en numerosas instituciones y galerías en Nueva York, París, Varsovia o Copenhague. Vive y trabaja en Oslo.
1: Tori Wrånes / 2: Your Next Vacation is Calling. Performance, Lilith Performance Studio, Malmø. 2014. Foto: Jacob Soffussen / 3: Mom, dont you miss the real me? 2015. Foto: Jhoeko / 4: The Opposite Is Also True. Foto: Christina Leithe Hansen / 5: Multistand. 2016. Foto: DJ Gud Junior
Jana Winderen
Alcanzar lugares imposibles con nuestros sentidos es uno de los objetivos que la artista Jana Winderen persigue con sus obras. Nacida en 1965 en Bodø, estudió Bellas Artes en Goldsmiths, en Londres, formación artística que completó con sus acercamientos académicos a las matemáticas, la química y los ecosistemas marinos. En su trabajo destacan especialmente las instalaciones sonoras y conciertos, por los que ha conseguido gran relevancia internacional. Ha expuesto en el MoMA y el Museo Guggenheim en Nueva York, el Sonic Acts Festival de Ámsterdam y en el OCAT de Shanghai. Para realizar su obra recurre a grabaciones in situ en espacios de difícil acceso, en entornos marinos o donde la naturaleza se presenta en su estado más salvaje, para las que recurre a diferentes tipos de micrófonos que le permitan recoger frecuencias que el oído humano difícilmente puede reconocer. De este modo pone el acento por un lado en la materialidad del sonido y por otro subraya la inmediatez de la percepción sensorial. En la actualidad vive y trabaja en Oslo.
1: Jana Winderen. Foto: Finnbogi Petursson / 2: Viaje de estudio para Through The Bones, Bienal de Tailandia 2018. Noviembre de 2017 / 3:31°14’37”N 121°28’2”E, instalación de sonido cuadrafónico en la exhibición I Hear Your Dreams, curada por Joshua Jiang para OCAT, Shanghai. 2019 / 4:Transmission, Geometry Of Now, V-A-C Foundation, GES-2, Moscú. 2017
Andrea Galaxina es licenciada en Historia del Arte y máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual por la UCM-UAM y el Museo Reina Sofía. Lleva la editorial Bombas para Desayunar desde la que investiga sobre el fanzine y la edición contracultural. Trabaja en una librería en Madrid y recientemente ha comisariado las Picnic Sessions, un festival de artes escénicas y sonoras que se celebra en el CA2M. Vivió en Noruega durante dos años en los que trabajó de guía enseñando Bergen a sus visitantes.
Ana Flecha Marco es licenciada en Traducción e Interpretación por la Universidad de Salamanca, máster en Edición por la Universidad Autónoma de Barcelona y se dedica principalmente a la traducción de libros. Vivió en Noruega durante cinco años. Allí estudió el bachillerato y, años después, trabajó como profesora de ELE. También ha sido guía en el Museo Hanseático de Bergen.
Este texto es parte del informe ¿Qué pasa en Noruega?